Bielefelder Regisseur bei Berlinale: „Ich führte eine Art Doppelleben“

Herr Kundag, wir können dieses Gespräch nicht führen, ohne zu Beginn auf die Erdbebenkatastrophe in der Türkei und in Syrien einzugehen.

ENGIN KUNDAG : Zwar sind zum Glück keine Angehörigen in der Türkei direkt betroffen, aber wir sind total schockiert. Wir verfolgen die ganze Zeit die Nachrichten im türkischen Fernsehen, aber so ganz greifbar ist es noch nicht – ich denke, das kommt erst in den nächsten Wochen.

Sie sind in Bielefeld geboren und haben Ihre Jugend in Windflöte verbracht. Ihre Eltern waren zuvor aus der Türkei eingewandert und leben heute noch dort, während Sie selbst mit Ihrer Familie mittlerweile in Berlin zu Hause sind. Wenn Sie die Zeit in der Windflöte rückblickend betrachten, was hat Sie besonders geprägt?

Ich bin in einem sozialen Brennpunkt mit vielen Einwanderern aus der Türkei aufgewachsen und habe damals eine Art Doppelleben geführt: Auf der Straße waren wir die coolen Machos, weil wir aus einer stark von Männern geprägten Kultur stammten – aber diejenigen, die wie ich eine weiterführende Schule besuchten, passten dort ihr Verhalten entsprechend an. Grundsätzlich hatte ich aber nie das Gefühl, dass ich irgendwie &bdquo;anders“ bin – dieses &bdquo;Deutschtürken“-Thema war für mich nie interessant, auch später an der Filmschule nicht.

Ihre Vorliebe für das Geschichtenersinnen hat sich bereits zu jener Zeit entwickelt, und Sie sind auch schon früh darin gefördert worden, wenn auch auf eine etwas ungewöhnliche Weise.

Im Englischunterricht gab es des Öfteren die Aufgabe, zu Geschichten mit &bdquo;open endings“ einen Schluss zu erfinden. Darin war ich richtig gut, meine Englischlehrerin las meine Texte häufig sogar vor. Irgendwann kamen Mitschüler auf mich zu, für die ich dann deren Geschichten zu Ende schrieb. Mir war klar, dass die Englischlehrerin das wusste – dennoch ließ sie mich gewähren. Das war schon prägend, ich merkte, da gibt es etwas, worin ich ein bisschen besser bin als andere, aber dass man so etwas studieren kann, wusste ich natürlich noch nicht.

&bdquo;Ararat“ ist Ihr zweiter Anlauf zu einem Langfilm, nachdem ein Projekt aus Gründen scheiterte, die Sie nicht zu verantworten hatten. Der jetzige &bdquo;Ararat“-Film steht aber in Beziehung zu Ihrem gleichnamigen Abschlussfilm von 2012. Wie hängen die Projekte zusammen?

Der Kurzfilm &bdquo;Ararat“ war der Abschlussfilm an der Filmschule. Dazwischen gab es noch den Kurzfilm &bdquo; Torn “. Nach dem Scheitern des &bdquo;Angst“-Projektes habe ich zurückgeschaut und mich gefragt, welche Ideen ich weiterentwickeln möchte. Der neue Film hat sich letztlich aus einer Szene des Kurzfilms entwickelt. Thematisch hängen die beiden Projekte insofern zusammen, als in beiden Filmen männliche Gewalt eine wichtige Rolle spielt. Auch die Kulisse des Ararat habe ich übernommen – jener Region, aus der meine Eltern stammen, eine sehr archaische Landschaft. Vom Plot her gibt es jedoch keine Gemeinsamkeiten.

Was bedeutet es Ihnen, dass Ihr Film auf der Berlinale läuft?

Wenn man fünf Jahre an einem Film gearbeitet hat und die ganze Zeit über nicht weiß, ob der Film überhaupt gezeigt oder hinterher einfach &bdquo;verschrottet“ wird, freut man sich natürlich, wenn er auf einem so bedeutenden Festival wie der Berlinale vertreten ist. Denn dann wollen häufig auch andere Festivals den Film zeigen, und dieser tritt dann im Idealfall eine Weltreise an. Der Film ist als einziger Film aus der Sektion &bdquo;Perspektive Deutsches Kino“ nominiert für den Preis als bester Erstlingsfilm.

Ihr Film bricht mit etlichen Sehgewohnheiten und lässt die Zuschauenden häufig desorientiert zurück. Warum dieses Vorgehen?

Außen gibt es die wüste Landschaft um den Ararat herum, die große Freiheit vor der Tür, aber die Figuren bewegen sich vorwiegend in engen Räumen. Das ist das Gefühl, das ich erzeugen will – das Bedrückende der Situation soll spürbar werden. Die karge Landschaft hat auch etwas mit meinem ästhetischen Anspruch zu tun: alles wegzunehmen, bis nur noch die Essenz übrig bleibt. Das gilt auch für die Handlung: Es gibt keine großen Dialoge – eine Regung im Gesicht kann viel interessanter sein. Der Verzicht auf Musik ist ebenfalls eine bewusste ästhetische Entscheidung: Das, was die Figuren erleben, ist schlimm – wenn man hier mit Musik operiert, droht die Gefahr, die Figuren und ihre Welt gleichsam zu verraten. Die Orientierungslosigkeit, die die Zuschauenden spüren, entspricht den Empfindungen der Hals über Kopf in ihr Elternhaus zurückgekehrten Tochter: Wo bin ich hier, das ist nicht hier, ich bin nicht hier. Die abrupten Rhythmuswechsel bilden die Dramaturgie des Films: Wie lange kann man ausharren und seine Gefühle zurückhalten, bis sie letztlich dann doch ausbrechen müssen?

Welche Botschaft möchten Sie als erfolgreicher Filmregisseur insbesondere jungen Menschen mitgeben, die wie Sie in eher ungünstigen Verhältnisse aufwachsen?

Junge Menschen, insbesondere wenn sie in benachteiligten Verhältnissen aufwachsen, sollten nicht das Gefühl haben, dass es von vorneherein unmöglich ist, ihre Ziele zu erreichen. Für mich war alles, was sich später entwickelte, zu Beginn unvorstellbar – dennoch ist es passiert. Es erscheint mir wichtig, dass junge Menschen, egal woher sie stammen, egal, welche Schulbildung sie genossen haben, an sich glauben und sich nichts ein- oder ausreden lassen. Die Flucht aus der Windflöte war für meinen Werdegang wichtig, aber sie ist Teil meiner Geschichte und nach wie vor Standort der Familie – insofern kehre ich immer noch gerne in meine ostwestfälische Heimat zurück.

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