Von der Zerbrechlichkeit der Schönheit

Bielefeld. Dem Gegenstand und Werkzeug des Tanzes schlechthin, dem Körper, sind die beiden Produktionen des Tanzabends &bdquo;Verkörpert“ gewidmet, der am Samstag Uraufführung in Bielefeld feierte. Gleich vorweg: Der Bühnenaufbau von Sebastian Ellrich ist nicht weniger als spektakulär zu nennen.

Denn er ist mit enormem dramaturgischem Potenzial aufgeladen: Wie ein aufgehender Mond schiebt sich ein beleuchteter Ring mit dem Umfang der Drehbühne über die Szene, einem fahl beleuchteten Kreis am &bdquo;Himmel“ entgegen. Er lässt sich variabel einsetzen – im Zusammenspiel mit Licht, Trockeneisnebel, einer Faust-Requisite und den gedeckten Kostümen des Ensembles.

Man meint zu spüren, wie das Publikum den Atem anhält, während sich das Geschehen auf der Bühne in meditativer Langsamkeit vollzieht. Im Tanzstück &bdquo;Jerusalem“ des israelischen Gastchoreografen Sharon Fridman (in Bielefeld seit seiner Arbeit &bdquo;Stable“ von 2017 bekannt), zelebriert das Ensemble die Schönheit und die physischen Möglichkeiten des menschlichen Körpers in solcher Eindringlichkeit, dass sich die Stimmungen auf die Zuschauer im Saal zu übertragen scheinen.

Vollkommenheit angesichts drohender Zerstörung Das Ensemble, mit weißer Patina auf der Haut und in den Haaren, der Käseschmiere eines Neugeborenen ähnlich, taucht im Nebel auf und ab, vollzieht im Spiel von Licht und Schatten zunächst mit reduzierter Körpersprache, dann mit verwegenen Duetten in &bdquo;fremdschönen“ Verknotungen eine verhaltene Interaktion. Dabei fällt die ungeheure Exaktheit der geführten, teils extremen Bewegungen auf. Diese Choreografie verzeiht keinen Fehler. In Skulpturen aus Leibern, die Molekülen ähneln, löst sich der Einzelne in der Gruppe mit ihrer komplexen Anmut auf. Das Stück endet so still wie anklagend in einem abrupten Crescendo.

Der Israeli Fridman, dem man mit dem Titel &bdquo;Jerusalem“ reflexhaft eine politische Aussage unterschieben möchte, dementiert dies nachdrücklich: Ihm gehe es um die Darstellung des fragilen Zustands menschlicher Vollkommenheit angesichts allzeit drohender Zerstörung. Diese sei überall auf der Welt zu finden. Die Auftragskomposition von Luis Miguel Cobo ist exakt auf die Bewegungen abgestimmt, unterstreicht die Stimmungen des Stücks kongenial.

Lebhafter und auch lauter beginnt nach einer Pause &bdquo;Die Stille in mir“ von Lali Ayguadé, zunächst konträr zum Titel. Im Setting einer Party, mit Tänzer Hampus Larsson singend am Flügel, definiert der allgegenwärtige monumentale Ring den geschützten Raum. Das Ensemble in Ballkleidung transportiert glatte Ästhetik; die einzelnen Akteure bleiben stets in physischer Verbindung mit den anderen. Dann kippt die Stimmung mit dem Ausruf der Tänzerin Noriko Nishidate auf Japanisch: &bdquo;Passt auf!“

Viel Applaus für zwei bemerkenswerte Arbeiten Nun ereignen sich Überraschungen, Wendepunkte, beklemmende Situationen – kurzum: das Leben selbst. Sie habe als Katalanin, mit dem Meer vor der Haustür, das Bild des Ozeans als Inspiration genommen, gibt die Choreografin Auskunft: Das Meer vereine Widersprüche in sich – Stille und Kontemplation, aber auch lauernde Gefahr. Ayguadé arbeitet im Gegensatz zu Fridman mit viel Kommunikation, Sprache, Stimme und Geräuschen.

Das Ensemble agiert in großer Klarheit, unterstützt von der Komposition Miguel Marins, die die Handlung vorantreibt. Tommaso Balbo, als Einziger in Weiß gekleidet, nimmt die Pose eines allwissenden Erzählers ein. Beide Produktionen ergeben einen Tanzabend von harmonierender Unterschiedlichkeit. Viel Applaus und auch stehende Ovationen für zwei bemerkenswerte Arbeiten.

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